VA • Atlantic Jazz Soul

 

Review by Stephen Cook
The Atlantic Jazz series continues with this slice of mostly '60s jazz-soul treats. Fittingly, the 11-track disc includes a side by one of the prime progenitors of soul, Ray Charles: He and MJQ vibraphonist, Milt Jackson, stretch out on the canonized "How Long Blues." Further expounding on the soul-jazz trajectory, the collection spotlights work by organist Shirley Scott (the Aretha Franklin hit "Think"), Les McCann and Eddie Harris (their classic Montreux Festival cut "Compared to What"), Yusef Lateef ("Russell and Elliot"), and Hank Crawford ("You're the One"). And there's even a bit of boogaloo-enhanced bossa, compliments of trumpeter Nat Adderley ("Jive Samba"). The soundtrack to your next retro-cool shindig.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-soul-mw0000651295

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Reseña de Stephen Cook
La serie Atlantic Jazz continúa con esta porción de delicias de jazz-soul de los años 60. El disco de 11 pistas incluye una cara de uno de los principales progenitores del soul, Ray Charles: él y el vibrafonista de MJQ, Milt Jackson, se extienden en el canonizado "How Long Blues". Para profundizar en la trayectoria del soul-jazz, la colección destaca el trabajo de la organista Shirley Scott (el éxito de Aretha Franklin "Think"), Les McCann y Eddie Harris (su clásico del Festival de Montreux "Compared to What"), Yusef Lateef ("Russell and Elliot") y Hank Crawford ("You're the One"). E incluso hay un poco de bossa con toques de boogaloo, gracias al trompetista Nat Adderley ("Jive Samba"). La banda sonora de tu próxima fiesta retro-cool.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-soul-mw0000651295

Don Wilkerson • The Texas Twister

 

Review
by Alex Henderson  
Don Wilkerson was among the unsung heroes of the tenor sax. Although he backed heavyweights like B.B. King and Ray Charles, the improviser's own albums aren't nearly as well known as they should be. But those who were hip to Wilkerson swore by him, and one of his allies was alto saxophonist Cannonball Adderley. It was in 1960 that Adderley produced The Texas Twister, Wilkerson's first album as a leader. The tenor man (who was 27 at the time) shows a lot of promise on this album, embracing standards as well as bop-oriented material by Adderley, pianist Barry Harris, and obscure Texas musician Jim Martin. As its title indicates, The Texas Twister has a strong Lone Star influence. Wilkerson was born in Louisiana, but Houston, TX, was his adopted home -- and the Texas tenor tradition had a major impact on his playing. Like Arnett Cobb, David "Fathead" Newman, James Clay, and other tenor men who have lived in the Lone Star State, Wilkerson was a hard-swinging, aggressive player with a big, fat tone. That isn't to say that he wasn't influenced by saxmen who lived in other parts of the U.S. -- Wilkerson also inspired comparisons to tenor men who ranged from Chicagoan Gene Ammons to Los Angeles resident Wardell Gray. But it is safe to say that Wilkerson was very much a Texan at heart and that the Lone Star influence is hard to miss on this album (which boasts an all-star lineup that includes Nat Adderley on cornet, Barry Harris on piano, Leroy Vinnegar or Sam Jones on bass, and Billy Higgins on drums). Reissued on CD in 2001, The Texas Twister is recommended to anyone who admires the Lone Star school of soulful, hard-blowing tenor.
https://www.allmusic.com/album/the-texas-twister-mw0000016463

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Reseña
por Alex Henderson  
Don Wilkerson fue uno de los héroes anónimos del saxo tenor. Aunque acompañó a pesos pesados como B.B. King y Ray Charles, los álbumes del improvisador no son tan conocidos como deberían. Pero los que conocían a Wilkerson juraban por él, y uno de sus aliados era el saxofonista alto Cannonball Adderley. Fue en 1960 cuando Adderley produjo The Texas Twister, el primer álbum de Wilkerson como líder. El tenor (que tenía 27 años por aquel entonces) se muestra muy prometedor en este álbum, en el que abarca tanto estándares como material orientado al bop de Adderley, el pianista Barry Harris y el oscuro músico tejano Jim Martin. Como su título indica, The Texas Twister tiene una fuerte influencia de la Estrella Solitaria. Wilkerson nació en Luisiana, pero Houston, Texas, fue su hogar adoptivo, y la tradición del tenor tejano tuvo un gran impacto en su forma de tocar. Al igual que Arnett Cobb, David "Fathead" Newman, James Clay y otros tenores que han vivido en el Estado de la Estrella Solitaria, Wilkerson era un intérprete duro y agresivo con un tono grande y grueso. Esto no quiere decir que no recibiera influencias de saxofonistas que vivieron en otras partes de Estados Unidos: Wilkerson también inspiró comparaciones con tenores que iban desde Gene Ammons, de Chicago, hasta Wardell Gray, residente en Los Ángeles. Pero es seguro decir que Wilkerson era un tejano de corazón y que la influencia de la Estrella Solitaria es difícil de pasar por alto en este álbum (que cuenta con una alineación de estrellas que incluye a Nat Adderley a la corneta, Barry Harris al piano, Leroy Vinnegar o Sam Jones al bajo, y Billy Higgins a la batería). Reeditado en CD en 2001, The Texas Twister se recomienda a cualquiera que admire la escuela de tenor conmovedor y duro de la Estrella Solitaria.
https://www.allmusic.com/album/the-texas-twister-mw0000016463

Nat Adderley Sextet • In The Bag

 

Biography by Scott Yanow

Nat Adderley's cornet (which in its early days was strongly influenced by Miles Davis) was always a complementary voice to his brother Cannonball in their popular quintet. His career ran parallel to his older brother for quite some time. Nat took up trumpet in 1946, switched to cornet in 1950, and spent time in the military, playing in an Army band during 1951-1953. After a period with Lionel Hampton (1954-1955), Nat made his recording debut in 1955, joined Cannonball's unsuccessful quintet of 1956-1957, and then spent periods with the groups of J.J. Johnson and Woody Herman before hooking up with Cannonball again in October 1959. This time the group became a major success and Nat remained in the quintet until Cannonball's death in 1975, contributing such originals as "Work Song," "Jive Samba," and "The Old Country" along with many exciting hard bop solos. Nat Adderley, who was at the peak of his powers in the early to mid-'60s and became adept at playing solos that dipped into the subtone register of his horn, led his own quintets after Cannonball's death; his most notable sidemen were altoists Sonny Fortune (in the early '80s) and Vincent Herring. Although his own playing declined somewhat -- Adderley's chops no longer had the endurance of his earlier days -- Nat continued recording worthwhile sessions in the years prior to his death on January 2, 2000. Many but not all of his recordings through the years are currently available (for such labels as Savoy, EmArcy, Riverside, Jazzland, Atlantic, Milestone, A&M, Capitol, Prestige, SteepleChase, Galaxy, Theresa, In & Out, Landmark, Evidence, Enja, Timeless, Jazz Challenge, and Chiaroscuro).

https://www.allmusic.com/artist/nat-adderley-mn0000377060#biography

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Biografía de Scott Yanow

La corneta de Nat Adderley (que en sus inicios estuvo fuertemente influenciado por Miles Davis) fue siempre una voz complementaria a la de su hermano Cannonball en su popular quinteto. Su carrera fue paralela a la de su hermano mayor durante bastante tiempo. Nat empezó a tocar la trompeta en 1946, cambió a la corneta en 1950 y pasó un tiempo en el ejército, tocando en una banda del ejército durante 1951-1953. Tras un periodo con Lionel Hampton (1954-1955), Nat hizo su debut discográfico en 1955, se unió al fracasado quinteto de Cannonball de 1956-1957, y luego pasó periodos con los grupos de J.J. Johnson y Woody Herman antes de volver a unirse a Cannonball en octubre de 1959. Esta vez el grupo se convirtió en un gran éxito y Nat permaneció en el quinteto hasta la muerte de Cannonball en 1975, contribuyendo con originales como "Work Song", "Jive Samba" y "The Old Country" junto con muchos emocionantes solos de hard bop. Nat Adderley, que estaba en la cima de sus facultades a principios y mediados de los 60 y se convirtió en un experto en solos que se sumergían en el registro de subtonos de su trompa, dirigió sus propios quintetos tras la muerte de Cannonball; sus acompañantes más notables fueron los contraltos Sonny Fortune (a principios de los 80) y Vincent Herring. Aunque su forma de tocar decayó un poco (las habilidades de Adderley ya no tenían la resistencia de sus primeros días), Nat siguió grabando sesiones que merecían la pena en los años anteriores a su muerte, el 2 de enero de 2000. Muchas de sus grabaciones, aunque no todas, están disponibles actualmente (para sellos como Savoy, EmArcy, Riverside, Jazzland, Atlantic, Milestone, A&M, Capitol, Prestige, SteepleChase, Galaxy, Theresa, In & Out, Landmark, Evidence, Enja, Timeless, Jazz Challenge y Chiaroscuro).
https://www.allmusic.com/artist/nat-adderley-mn0000377060#biography

Cannonball Adderley-Kenny Clarke • Bohemia After Dark

 

Review
by Mark Keresman
Along with Max Roach, Kenny Clarke was one of the definitive drummers of jazz’s original bebop movement. By the time of the Bohemia After Dark sessions (in June 1955), Clarke was firmly established as a bandleader. He probably didn’t know it at the time, but he also made jazz history here, as Bohemia marks the recording debut of the soulful Adderley brothers -- alto sax heavyweight Cannonball and ace cornetist/composer Nat. The brothers also contributed several tunes as well. This session is earnestly swinging bop with very good early career work from pianist Horace Silver and bassist Paul Chambers.
https://www.allmusic.com/album/bohemia-after-dark-mw0000099767

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Reseña
por Mark Keresman
Junto con Max Roach, Kenny Clarke fue uno de los bateristas definitivos del movimiento bebop original del jazz. En el momento de las sesiones de Bohemia After Dark (en junio de 1955), Clarke estaba firmemente establecido como director de banda. Probablemente no lo sabía en ese momento, pero también hizo historia en el jazz, ya que Bohemia marca el debut discográfico de los conmovedores hermanos Adderley: el peso pesado del saxo alto Cannonball y el as cornetista/compositor Nat. Los hermanos también contribuyeron con varios temas. Esta sesión es un bop con mucho swing, con un muy buen trabajo de principios de la carrera del pianista Horace Silver y el bajista Paul Chambers.
https://www.allmusic.com/album/bohemia-after-dark-mw0000099767

The Adderley Brothers • The Summer Of '55

 

Review from AllMusic:
Julian "Cannonball" Adderley and Nat Adderley are both legendary names in jazz now, but when the material on these two discs was recorded in 1955, they were newcomers on the New York jazz scene. These 21 tracks were originally released on three separate LPs: the first as Bohemia After Dark (with drummer Kenny Clarke billed as leader), the second under Cannonball's name as Spontaneous Combustion, and the third titled That's Nat. This reissue leaves the tracks in the same order as that found on the original LPs (with the addition of several alternate takes). The playing is stupendous, and Cannonball's alto sax is particularly reminiscent of Charlie Parker at the peak of his powers. Cannonball and Nat's compositions, especially the very boppish "Chasm" and the bluesy "Hear Me Talkin' to Ya" simultaneously hark back to and expand the bebop tradition in a way that would lead directly to the hard bop sound of Art Blakey and others.
https://www.allmusic.com/album/the-summer-of-55-mw0000252296

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Reseña de AllMusic:
Julian "Cannonball" Adderley y Nat Adderley son ahora nombres legendarios en el jazz, pero cuando el material de estos dos discos fue grabado en 1955, eran recién llegados a la escena del jazz de Nueva York. Estos 21 temas fueron publicados originalmente en tres LPs separados: el primero como Bohemia After Dark (con el baterista Kenny Clarke acreditado como líder), el segundo bajo el nombre de Cannonball como Spontaneous Combustion, y el tercero titulado That's Nat. Esta reedición mantiene los temas en el mismo orden que el encontrado en los LPs originales (con la adición de varias tomas alternativas). La interpretación es estupenda, y el saxofón alto de Cannonball recuerda particularmente a Charlie Parker en la cima de sus poderes. Las composiciones de Cannonball y Nat, especialmente el muy boppish "Chasm" y el bluesy "Hear Me Talkin' to Ya" evocan y expanden simultáneamente la tradición del bebop de una manera que llevaría directamente al sonido hard bop de Art Blakey y otros.
https://www.allmusic.com/album/the-summer-of-55-mw0000252296

Jimmy Heath • The Thumper

 

 

Biography by Matt Collar
With his delicately soulful tone and refined ear for lyrical, hard-swinging bop, tenor saxophonist Jimmy Heath helped shepherd modern jazz into the 21st century. Initially emerging as a member of Dizzy Gillespie's big band in the 1940s, Heath (then known as "Little Bird" after his idol Charlie "Yardbird" Parker) would establish his reputation as gifted improviser and composer, working with innovators like Miles Davis, John Coltrane, and Milt Jackson. He came to his greatest acclaim in the late '50s, penning a bevy of compositions like "C.T.A.," "Gingerbread Boy," and "For Minors Only," many of which would become jazz standards. His early Riverside albums, including 1959's The Thumper, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, are the epitome of hard bop, and many of the albums he contributed to are classics. He recorded for such varied labels as Strata East, Muse, and Columbia, working with his siblings, bassist Percy Heath and drummer Albert "Tootie" Heath, as the Heath Brothers, and collaborating with boundary-pushing stylists like Charles Tolliver, Stanley Cowell, and Art Farmer. Along with three Grammy nominations, including for 1994's Little Man, Big Band, Heath was also a 2003 NEA Jazz Master who dedicated much of his career to teaching, working at the Aaron Copland School of Music at Queens College, and helping to oversee the Louis Armstrong Archives. Still, performing remained his passion and he continued to work throughout his later years, often playing alongside younger musicians, including Roy Hargrove on his 2012 85th birthday celebration Togetherness: Live at the Blue Note, and Wynton Marsalis and Cecile McLorin Salvant on 2020's Love Letter.

Born in Philadelphia in 1926, Heath was introduced to jazz and big-band music by his father, an auto mechanic and part-time clarinet player, and mother, a singer in their church choir. However, due to the Depression his father often found himself out of work. Subsequently, Heath and his siblings were sent to live with their grandparents who ran a grocery store in Wilmington, North Carolina. It was there, while going to high school, that Jimmy started playing the alto saxophone, participating in the concert and marching band programs. Similarly, his older brother Percy played bass and his younger brother Albert "Tootie" played drums. He also had a sister Elizabeth who played piano. They would return home to Philadelphia for the summer, during which time Jimmy took private lessons. After graduating high school in 1943, Heath started his own swing dance band. He also performed with the Nat Towles band. By 1947, he was leading his own small group, playing alongside a young John Coltrane, trumpeter Johnny Coles, tenor saxophonist Benny Golson, bassist Nelson Boyd, drummer Specs Wright, and other Philadelphia natives. It was also around this time that he discovered bebop, influenced heavily by altoist Charlie "Yardbird" Parker. In 1948, Heath joined trumpeter Howard McGhee. He was soon joined by his brother Percy and together they toured Paris, appearing at the city's first jazz festival. It was while with McGhee that Heath earned his nickname "Little Bird," due in part to his love of Parker and his small stature; he had been turned away for the draft during WWII for being below the minimum weight. The following year, Heath became a member of trumpeter Dizzy Gillespie's band, which also featured a number of other Philadelphia regulars including Coltrane.

In the early '50s, Heath switched to tenor saxophone to better set himself apart from Parker and to secure more gigs. Soon after, he joined Miles Davis' band, appearing on the trumpeter's second album, 1952's Young Man with a Horn. There were also seminal dates with J.J. Johnson, Clifford Brown, and Kenny Dorham. Just as his career was taking off, Heath (an admitted drug addict) was arrested and convicted twice for the sale of heroin. His first arrest came in 1954 and found him incarcerated at the Federal Medical Center in Lexington, Kentucky. Following his release, he was again arrested in 1955 and sentenced to six years in prison. Sent to Lewisburg Penitentiary in Pennsylvania, he served four years. While in prison, Heath continued to write music, arranging for the prison big band and composing songs like "For Minors Only," "C.T.A.," ''Picture of Heath," and "For Miles and Miles," most of which gained wider attention after they were included on Chet Baker and Art Pepper's 1956 album Playboys.

Released from prison in 1959, Heath, now sober, immediately began to rebuild his career. That same year, he made his long-awaited debut as leader with The Thumper, an all-star session for Riverside featuring cornetist Nat Adderley, trombonist Curtis Fuller, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and his brother drummer Albert. He also appeared on trumpeter Blue Mitchell's classic album Blue Soul and briefly re-joined Miles Davis' group, taking over for Coltrane. Equally well-regarded sessions followed, including albums with Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard, and others. He followed his debut with the 1960 large-ensemble album Really Big!, featuring cornetist Adderley, flugelhornist Clark Terry, altoist Cannonball Adderley, and pianists Cedar Walton and Tommy Flanagan. Heath's output increased significantly throughout the early '60s with albums like 1961's The Quota, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, the latter of which introduced two more of his originals with "Gingerbread Boy" and "Project S." He also recorded albums with Milt Jackson, Mongo Santamaria, and others.

Heath returned to his solo work with 1972's The Gap Sealer, a hard-hitting album that found him playing both alto and tenor saxophone, as well as flute. Along with pianists Kenny Barron and Stanley Cowell, bassist Bob Cranshaw, and his brother drummer Albert, the album was also his first to feature his son, percussionist James Mtume. He then recorded several albums for the Muse label, including 1973's Love and Understanding, all of which found him further expanding his approach, embracing funk, avant-garde, and spiritual jazz influences. It was also during this period that he formed the Heath Brothers with his siblings Percy and Albert, as well as pianist Cowell. The group debuted the with 1975's Marchin' On, released on Cowell and trumpeter Charles Tolliver's Strata East label. They gained wider visibility after signing with Columbia Records and releasing 1978's Passin' Thru and 1979's In Motion.

In the '80s, Heath expanded into teaching, joining the faculty of the Aaron Copland School of Music at Queens College, City University of New York. Over the next 20 years, he balanced teaching and performing, helping create the school's jazz education program and attracting other jazz luminaries to campus, including Donald Byrd. He also served on the board of the school's Louis Armstrong Archives and aided in the restoration of Armstrong's home in Corona, Queens. Despite his dedication to teaching, he continued to perform and record during these years, releasing albums like 1987's Peer Pressure, 1992's Grammy-nominated Little Man, Big Band, and 1994's You've Changed.

In 2006, he again showcased his big band with Turn Up the Heath. He then collaborated with the Seattle Repertory Jazz Orchestra on the commissioned Endless Search. In 2011, Heath celebrated his 85th birthday with two nights of live performances at New York's Blue Note, backed by his 18-member big band. Released in 2012 as Togetherness: Live at the Blue Note, it featured appearances by Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis, and others. Heath died on January 19, 2020 in Loganville, Georgia from natural causes. He was 93 years old. A posthumous album, Love Letter, arrived that August and worked as a romantic farewell from the saxophonist. It featured guest spots by Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant, and Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su tono delicadamente conmovedor y su oído refinado para el bop lírico y oscilante, el saxofonista tenor Jimmy Heath ayudó a guiar el jazz moderno hacia el siglo XXI. Inicialmente emergiendo como miembro de la big band de Dizzy Gillespie en la década de 1940, Heath (entonces conocido como "Little Bird" por su ídolo Charlie "Yardbird" Parker) establecería su reputación como talentoso improvisador y compositor, trabajando con innovadores como Miles Davis, John Coltrane y Milt Jackson. Alcanzó su mayor éxito a fines de los 50, escribiendo un grupo de composiciones como "CTA", "Gingerbread Boy" y "For Minors Only", muchas de las cuales se convertirían en estándares de jazz. Sus primeros álbumes de Riverside, incluidos The Thumper de 1959, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, son el epítome del hard bop, y muchos de los álbumes en los que contribuyó son clásicos. Grabó para sellos tan variados como Strata East, Muse y Columbia, trabajando con sus hermanos, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath, como The Heath Brothers, y colaborando con estilistas que empujan los límites como Charles Tolliver, Stanley Cowell y Art Farmer. Junto con tres nominaciones al Grammy, incluida Little Man, Big Band de 1994, Heath también fue un Maestro de Jazz de la NEA en 2003 que dedicó gran parte de su carrera a la enseñanza, trabajando en la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College y ayudando a supervisar los Archivos de Louis Armstrong. Aún así, actuar siguió siendo su pasión y continuó trabajando durante sus últimos años, a menudo tocando junto a músicos más jóvenes, incluidos Roy Hargrove en la celebración de su 85 cumpleaños en 2012 Togetherness: Live at the Blue Note, y Wynton Marsalis y Cecile McLorin Salvant en Love Letter de 2020.

Nacido en Filadelfia en 1926, Heath conoció el jazz y la música de big band gracias a su padre, mecánico de automóviles y clarinetista a tiempo parcial, y su madre, cantante en el coro de su iglesia. Sin embargo, debido a la depresión, su padre a menudo se encontraba sin trabajo. Posteriormente, Heath y sus hermanos fueron enviados a vivir con sus abuelos, quienes administraban una tienda de comestibles en Wilmington, Carolina del Norte. Fue allí, mientras asistía a la escuela secundaria, donde Jimmy comenzó a tocar el saxofón alto, participando en los programas de conciertos y bandas de música. Del mismo modo, su hermano mayor Percy tocaba el bajo y su hermano menor Albert "Tootie" tocaba la batería. También tenía una hermana Elizabeth que tocaba el piano. Regresarían a casa a Filadelfia durante el verano, tiempo durante el cual Jimmy tomó lecciones privadas. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1943, Heath fundó su propia banda de baile swing. También actuó con la banda Nat Towles. Para 1947, lideraba su propio grupo pequeño, tocando junto a un joven John Coltrane, el trompetista Johnny Coles, el saxofonista tenor Benny Golson, el bajista Nelson Boyd, el baterista Specs Wright y otros nativos de Filadelfia. También fue por esta época cuando descubrió el bebop, fuertemente influenciado por el altoista Charlie" Yardbird " Parker. En 1948, Heath se unió al trompetista Howard McGhee. Pronto se le unió su hermano Percy y juntos recorrieron París, apareciendo en el primer festival de jazz de la ciudad. Fue mientras estaba con McGhee que Heath se ganó su apodo de "Pajarito", debido en parte a su amor por Parker y su pequeña estatura; había sido rechazado para el servicio militar obligatorio durante la Segunda Guerra Mundial por estar por debajo del peso mínimo. Al año siguiente, Heath se convirtió en miembro de la banda del trompetista Dizzy Gillespie, que también incluía a otros habituales de Filadelfia, incluido Coltrane.

A principios de los 50, Heath cambió al saxofón tenor para diferenciarse mejor de Parker y asegurar más conciertos. Poco después, se unió a la banda de Miles Davis, apareciendo en el segundo álbum del trompetista, Young Man with a Horn de 1952. También hubo citas seminales con J. J. Johnson, Clifford Brown y Kenny Dorham. Justo cuando su carrera despegaba, Heath (un drogadicto admitido) fue arrestado y condenado dos veces por la venta de heroína. Su primer arresto se produjo en 1954 y lo encontró encarcelado en el Centro Médico Federal de Lexington, Kentucky. Tras su liberación, fue arrestado nuevamente en 1955 y sentenciado a seis años de prisión. Enviado a la penitenciaría de Lewisburg en Pensilvania, cumplió cuatro años. Mientras estuvo en prisión, Heath continuó escribiendo música, haciendo arreglos para la big band de la prisión y componiendo canciones como "For Minors Only", "CTA", "Picture of Heath" y "For Miles and Miles", la mayoría de las cuales obtuvieron una mayor atención después de que fueran incluidas en el álbum Playboys de Chet Baker y Art Pepper de 1956.

Liberado de prisión en 1959, Heath, ahora sobrio, inmediatamente comenzó a reconstruir su carrera. Ese mismo año, hizo su esperado debut como líder con The Thumper, una sesión estelar para Riverside con el cornetista Nat Adderley, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y su hermano el baterista Albert. También apareció en el álbum clásico del trompetista Blue Mitchell, Blue Soul, y se reincorporó brevemente al grupo de Miles Davis, reemplazando a Coltrane. Siguieron sesiones igualmente bien consideradas, incluidos álbumes con Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard y otros. Siguió a su debut con el álbum de grandes conjuntos de 1960 Really Big!, con el cornetista Adderley, el flugelhornista Clark Terry, el altoista Cannonball Adderley y los pianistas Cedar Walton y Tommy Flanagan. La producción de Heath aumentó significativamente a principios de los 60 con álbumes como The Quota de 1961, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, el último de los cuales presentó dos de sus originales más con "Gingerbread Boy" y "Project S". También grabó álbumes con Milt Jackson, Mongo Santamaria y otros.

Heath volvió a su trabajo en solitario con The Gap Sealer de 1972, un álbum contundente que lo encontró tocando saxofón alto y tenor, así como flauta. Junto con los pianistas Kenny Barron y Stanley Cowell, el bajista Bob Cranshaw y su hermano el baterista Albert, el álbum también fue el primero en presentar a su hijo, el percusionista James Mtume. Luego grabó varios álbumes para el sello Muse, incluido Love and Understanding de 1973, todo lo cual lo encontró expandiendo aún más su enfoque, adoptando influencias del funk, la vanguardia y el jazz espiritual. También fue durante este período que formó The Heath Brothers con sus hermanos Percy y Albert, así como con el pianista Cowell. El grupo debutó con Marchin' On de 1975, lanzado en el sello Strata East de Cowell y el trompetista Charles Tolliver. Ganaron una mayor visibilidad después de firmar con Columbia Records y lanzar Passin' Thru de 1978 y In Motion de 1979.

En los años 80, Heath se expandió a la docencia, uniéndose a la facultad de la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College, City University of New York. Durante los siguientes 20 años, equilibró la enseñanza y la actuación, ayudando a crear el programa de educación de jazz de la escuela y atrayendo a otras luminarias del jazz al campus, incluido Donald Byrd. También formó parte de la junta de los Archivos Louis Armstrong de la escuela y ayudó en la restauración de la casa de Armstrong en Corona, Queens. A pesar de su dedicación a la enseñanza, continuó actuando y grabando durante estos años, lanzando álbumes como Peer Pressure de 1987, Little Man, Big Band, nominado al Grammy en 1992, y You've Changed de 1994.

En 2006, volvió a exhibir su big band con Turn Up the Heath. Luego colaboró con la Seattle Repertory Jazz Orchestra en el encargo Endless Search. En 2011, Heath celebró su 85 cumpleaños con dos noches de presentaciones en vivo en el Blue Note de Nueva York, respaldado por su big band de 18 miembros. Lanzado en 2012 como Togetherness: Live at the Blue Note, contó con apariciones de Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis y otros. Heath murió el 19 de enero de 2020 en Loganville, Georgia, por causas naturales. Tenía 93 años. Un álbum póstumo, Love Letter, llegó ese agosto y funcionó como despedida romántica del saxofonista. Contó con anuncios invitados de Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant y Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

www.jimmyheath.com ...

Philly Joe Jones • Philly Mignon

 

Biography by Scott Yanow
A fiery drummer and a masterful accompanist, Philly Joe Jones came to fame as a key member with the first classic Miles Davis Quintet. After serving in the Army, he moved to New York in 1947, became the house drummer at Cafe Society and played with a who's who of bop (including Charlie Parker, Dizzy Gillespie, and Fats Navarro). He worked regularly with Ben Webster, Joe Morris, Tiny Grimes, Lionel Hampton, and Tadd Dameron (1953). Jones was with Miles Davis during 1955-1958, including the quintet years (1955-1956) with John Coltrane, Red Garland, and Paul Chambers and the beginnings of the super sextet that also included Cannonball Adderley (recording the classic Milestones album). In 1958, he started leading his own groups, recording for Riverside (1958-1959) and Atlantic (1960). Jones lived in London and Paris during 1967-1972 (performing and recording with some avant-garde players, including Archie Shepp). He eventually returned to Philadelphia, where he led a fusion group, Le Grand Prix, toured with Bill Evans during 1976, recorded for Galaxy in 1977 and 1979, and worked with Red Garland. Starting in 1981, he led the group Dameronia, which revived Tadd Dameron's music. But in reality, everything that Philly Joe Jones did after Miles Davis was anticlimactic.
https://www.allmusic.com/artist/philly-joe-jones-mn0000845443#biography

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Biografía de Scott Yanow
Philly Joe Jones, ardiente batería y acompañante magistral, saltó a la fama como miembro clave del primer quinteto clásico de Miles Davis. Después de servir en el ejército, se trasladó a Nueva York en 1947, se convirtió en el batería del Cafe Society y tocó con la flor y nata del bop (como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Fats Navarro). Trabajó regularmente con Ben Webster, Joe Morris, Tiny Grimes, Lionel Hampton y Tadd Dameron (1953). Jones estuvo con Miles Davis durante 1955-1958, incluyendo los años del quinteto (1955-1956) con John Coltrane, Red Garland y Paul Chambers y los inicios del super sexteto que también incluía a Cannonball Adderley (grabando el clásico álbum Milestones). En 1958 comenzó a liderar sus propios grupos, grabando para Riverside (1958-1959) y Atlantic (1960). Jones vivió en Londres y París entre 1967 y 1972 (actuando y grabando con algunos músicos de vanguardia, como Archie Shepp). Finalmente regresó a Filadelfia, donde dirigió un grupo de fusión, Le Grand Prix, realizó una gira con Bill Evans durante 1976, grabó para Galaxy en 1977 y 1979 y trabajó con Red Garland. A partir de 1981, dirigió el grupo Dameronia, que revivió la música de Tadd Dameron. Pero en realidad, todo lo que Philly Joe Jones hizo después de Miles Davis fue anticlimático.
https://www.allmusic.com/artist/philly-joe-jones-mn0000845443#biography

Nat Adderley • A Sunshine State [Live Tampa '82]

 

Biography by Scott Yanow
Nat Adderley's cornet (which in its early days was strongly influenced by Miles Davis) was always a complementary voice to his brother Cannonball in their popular quintet. His career ran parallel to his older brother for quite some time. Nat took up trumpet in 1946, switched to cornet in 1950, and spent time in the military, playing in an Army band during 1951-1953. After a period with Lionel Hampton (1954-1955), Nat made his recording debut in 1955, joined Cannonball's unsuccessful quintet of 1956-1957, and then spent periods with the groups of J.J. Johnson and Woody Herman before hooking up with Cannonball again in October 1959. This time the group became a major success and Nat remained in the quintet until Cannonball's death in 1975, contributing such originals as "Work Song," "Jive Samba," and "The Old Country" along with many exciting hard bop solos. Nat Adderley, who was at the peak of his powers in the early to mid-'60s and became adept at playing solos that dipped into the subtone register of his horn, led his own quintets after Cannonball's death; his most notable sidemen were altoists Sonny Fortune (in the early '80s) and Vincent Herring. Although his own playing declined somewhat -- Adderley's chops no longer had the endurance of his earlier days -- Nat continued recording worthwhile sessions in the years prior to his death on January 2, 2000. Many but not all of his recordings through the years are currently available (for such labels as Savoy, EmArcy, Riverside, Jazzland, Atlantic, Milestone, A&M, Capitol, Prestige, SteepleChase, Galaxy, Theresa, In & Out, Landmark, Evidence, Enja, Timeless, Jazz Challenge, and Chiaroscuro).
https://www.allmusic.com/artist/nat-adderley-mn0000377060#biography

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Biografía de Scott Yanow
La corneta de Nat Adderley (que en sus inicios estuvo fuertemente influenciado por Miles Davis) fue siempre una voz complementaria a la de su hermano Cannonball en su popular quinteto. Su carrera fue paralela a la de su hermano mayor durante bastante tiempo. Nat empezó a tocar la trompeta en 1946, cambió a la corneta en 1950 y pasó un tiempo en el ejército, tocando en una banda del ejército durante 1951-1953. Tras un periodo con Lionel Hampton (1954-1955), Nat hizo su debut discográfico en 1955, se unió al fracasado quinteto de Cannonball de 1956-1957, y luego pasó periodos con los grupos de J.J. Johnson y Woody Herman antes de volver a unirse a Cannonball en octubre de 1959. Esta vez el grupo se convirtió en un gran éxito y Nat permaneció en el quinteto hasta la muerte de Cannonball en 1975, contribuyendo con originales como "Work Song", "Jive Samba" y "The Old Country" junto con muchos emocionantes solos de hard bop. Nat Adderley, que estaba en la cima de sus facultades a principios y mediados de los 60 y se convirtió en un experto en solos que se sumergían en el registro de subtonos de su trompa, dirigió sus propios quintetos tras la muerte de Cannonball; sus acompañantes más notables fueron los contraltos Sonny Fortune (a principios de los 80) y Vincent Herring. Aunque su forma de tocar decayó un poco (las habilidades de Adderley ya no tenían la resistencia de sus primeros días), Nat siguió grabando sesiones que merecían la pena en los años anteriores a su muerte, el 2 de enero de 2000. Muchas de sus grabaciones, aunque no todas, están disponibles actualmente (para sellos como Savoy, EmArcy, Riverside, Jazzland, Atlantic, Milestone, A&M, Capitol, Prestige, SteepleChase, Galaxy, Theresa, In & Out, Landmark, Evidence, Enja, Timeless, Jazz Challenge y Chiaroscuro).
https://www.allmusic.com/artist/nat-adderley-mn0000377060#biography

Nat Adderley • Work Song

 

 

“This album is as warm, fresh and sunny as a summer’s day in the back country. It’s earthy without being muddy, sophisticated but not phony. Recommended strongly” - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

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"Este álbum es tan cálido, fresco y soleado como un día de verano en el campo. Es terrenal sin ser turbio, sofisticado pero no falso. Muy recomendable" - (Don DeMicheal)
https://www.jazzmessengers.com/es/11609/nat-adderley/work-song

VA • Atlantic Jazzː Soul

 

Shirley Scott,Johnny Griffin,Ray Charles,Milt Jackson,Herbie Mann,Yusef Lateef,Eddie Harris,Les McCann,Hank Crawford,Nat Adderley,Joe Zawinul.

James Clay • A Double Dose Of Soul

 

Review by Scott Yanow

James Clay only led two record sessions before settling in obscurity in Texas, where he would not be rediscovered until the late '80s. Cannonball Adderley helped present him on Riverside in 1960, so it seemed fair that Clay utilized several of Adderley's sidemen on this session (cornetist Nat Adderley or vibraphonist Victor Feldman, bassist Sam Jones, and drummer Louis Hayes) along with a young Gene Harris on piano. Clay splits his time between his lyrical flute and tough tenor, proving to be an excellent bop-based improviser. [The CD reissue adds two alternate takes to the original LP program, highlighted by Feldman's "New Delhi," "Come Rain or Come Shine," and Nat's blues "Pockets."]

Biography

James Clay is a name new to many modern-day jazz listeners. But Clay's earliest fame came in the late 1950s when the young woodwind expert arrived on the Los Angeles jazz scene as a contemporary of this fellow Texan Ornette Coleman. Never an avant-garde experimenter like Coleman, Clay was immediately heard by his peers as a gifted mainstream player with ears open to a wide harmonic range. Clay went into obscurity for nearly 30 years before making a comeback.

A fine tenor saxophonist who was part of the long tradition of Texas tenors, Clay was born in Dallas. Although early on he mostly played r&b and blues-oriented music, he was an early associate of Ornette Coleman and was open to playing in freer settings. He spent ten years in the Ray Charles band. He moved up North in the mid-1950s and recorded with drummer Larance Marable in 1956.

In 1960, Clay made his greatest impact, leading two excellent albums for Riverside. “The Sound of the Wide Open Spaces,” teams him with David “Fathead” Newman (another Texas tenor), pianist Wynton Kelly, bassist Sam Jones, and drummer Arthur Taylor. The two tenors battle it out on a variety of tunes and the results are a tie for the saxophonists and a victory for the listeners. “A Double Dose of Soul,” has Clay utilizing Cannonball Adderley’s sidemen (cornetist Nat Adderley, vibraphonist Victor Feldman, Sam Jones, and drummer Louis Hayes) plus pianist Gene Harris in a bop-based program that features Clay doubling on flute.

Rather than building on this promising start, James Clay decided to move back to Texas and become an educator. Very little was heard from him on the national scene until cornetist Don Cherry persuaded Clay to record on his 1988 album “Art Deco.”

He recorded “Cookin’ at the Continental,” for Antilles in 1992 with an all star lineup of David Newman, Roy Hargrove, Kirk Lightsey, Christian McBride, and Winard Harper. On this date he is in fine form and his lighter sound blends well with Newman.

James Clay was still actively performing prior to his 1995 death.

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Reseña de Scott Yanow

James Clay sólo dirigió dos sesiones de grabación antes de establecerse en la oscuridad en Texas, donde no sería redescubierto hasta finales de los años 80. Cannonball Adderley ayudó a presentarlo en Riverside en 1960, por lo que parecía justo que Clay utilizara a varios de los compañeros de Adderley en esta sesión (el cornetista Nat Adderley o el vibrafonista Victor Feldman, el bajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes) junto con un joven Gene Harris al piano. Clay divide su tiempo entre su flauta lírica y su duro tenor, demostrando ser un excelente improvisador basado en el bop. La reedición del CD agrega dos tomas alternas al programa original del LP, destacadas por "New Delhi" de Feldman, "Come Rain or Come Shine" y "Pockets" de Nat's blues].

Biografía

James Clay es un nombre nuevo para muchos oyentes de jazz de hoy en día. Pero la fama más temprana de Clay llegó a finales de los años 50 cuando el joven experto en viento-madera llegó a la escena del jazz de Los Ángeles como contemporáneo de este compañero tejano Ornette Coleman. Nunca un experimentador de vanguardia como Coleman, Clay fue inmediatamente escuchado por sus pares como un talentoso músico de la corriente principal con los oídos abiertos a una amplia gama armónica. Clay pasó a la oscuridad durante casi 30 años antes de regresar.

Un fino saxofonista tenor que fue parte de la larga tradición de los tenores de Texas, Clay nació en Dallas. Aunque al principio tocaba principalmente música orientada al r&b y al blues, fue uno de los primeros asociados de Ornette Coleman y estaba abierto a tocar en ambientes más libres. Pasó diez años en la banda de Ray Charles. Se mudó al norte a mediados de los años 50 y grabó con el baterista Larance Marable en 1956.

En 1960, Clay causó su mayor impacto, liderando dos excelentes álbumes para Riverside. "The Sound of the Wide Open Spaces", lo pone en el equipo de David "Fathead" Newman (otro tenor de Texas), el pianista Wynton Kelly, el bajista Sam Jones y el baterista Arthur Taylor. Los dos tenores se enfrentan en una variedad de temas y los resultados son un empate para los saxofonistas y una victoria para los oyentes. "A Double Dose of Soul", tiene a Clay utilizando a los compañeros de Cannonball Adderley (el cornetista Nat Adderley, el vibrafonista Victor Feldman, Sam Jones y el baterista Louis Hayes) además del pianista Gene Harris en un programa basado en el bop que presenta a Clay doblando en flauta.

En lugar de construir sobre este prometedor comienzo, James Clay decidió regresar a Texas y convertirse en un educador. Se escuchó muy poco de él en la escena nacional hasta que el cornetista Don Cherry persuadió a Clay para que grabara en su álbum de 1988 "Art Deco".

Grabó "Cookin' at the Continental" para las Antillas en 1992 con una alineación de estrellas como David Newman, Roy Hargrove, Kirk Lightsey, Christian McBride y Winard Harper. En esta fecha se encuentra en buena forma y su sonido más ligero se mezcla bien con el de Newman.

James Clay seguía actuando activamente antes de su muerte en 1995.

Nat Adderley • Sayin' Somethin'

 

Review
by Scott Yanow
Cornetist Nat Adderley was at the peak of his powers in the mid-1960's. This Atlantic issue has four quintet numbers with tenor-saxophonist Joe Henderson (three also feature pianist Herbie Hancock) plus four tunes in which Nat is part of an 11-piece group. He plays quite well on such songs as "Cantaloupe Island," "Hippodelphia," "Gospellete" and even the then-current pop tune "Call Me," making this set one to search for.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948

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Revisión
por Scott Yanow
El cornetista Nat Adderley estaba en la cima de sus poderes a mediados de los años 60. Esta edición de Atlantic tiene cuatro números de quinteto con el tenor-saxofonista Joe Henderson (tres también cuentan con el pianista Herbie Hancock) más cuatro melodías en las que Nat es parte de un grupo de 11 piezas. Toca muy bien canciones como "Cantaloupe Island", "Hippodelphia", "Gospellete" e incluso el tema pop de entonces "Call Me", lo que hace que este conjunto sea uno de los que hay que buscar.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948

The Cannonball Adderley Sextext • BBC Studios 1964

 

Tracks:
The Cannonball Adderley Sextet live at BBC Studios in London, UK on 5.14.1964. This recording features Nat Adderley on cornet. Recorded by the British Broadcasting Corp. (BBC), and broadcast on BBC TV on June 2nd & August 3rd, 1964, and on BBC Radio on September 25, 1964.

Julian "Cannonball" Adderley was an American jazz alto saxophonist of the hard bop era of the 1950s and 1960s. Adderley is perhaps best remembered for the 1966 soul jazz single "Mercy, Mercy, Mercy", which was written for him by his keyboardist Joe Zawinul and became a major crossover hit on the pop and R&B charts. A cover version by the Buckinghams, who added lyrics, also reached No. 5 on the charts. Adderley worked with Miles Davis, first as a member of the Davis sextet, appearing on the seminal records Milestones (1958) and Kind of Blue (1959), and then on his own 1958 album Somethin' Else. He was the elder brother of jazz trumpeter Nat Adderley, who was a longtime member of his band.  

In July 1975, Cannonball Adderley suffered a stroke from a cerebral hemorrhage and died four weeks later, on August 8, 1975, at St. Mary Methodist Hospital in Gary, Indiana, at age 46. He was survived by his wife Olga Adderley, parents Julian Carlyle and Jessie Lee Adderley, and brother Nat Adderley.  Later in 1975, he was inducted into the DownBeat Jazz Hall of Fame. Joe Zawinul's composition "Cannon Ball" on Weather Report's Black Market album is a tribute to his former leader. Pepper Adams and George Mraz dedicated the composition "Julian" on the 1975 Pepper Adams album of the same name days after Cannonball's death. (Wikipedia)


Tracks::
Work Song 00:57
The Song My Lady Sings 08:11
Poor Butterfly 16:06
The Jive Samba 20:50
Unit Seven 28:09
The Weaver 30:10
Bohemia After Dark 38:29
Come Sunday 44:11
Sweet Georgia Bright 50:39
Unit Seven 55:43

Credits:
Cannonball Adderley - Alto Sax 
Nat Adderley - Cornet 
Charles Lloyd - Tenor Sax, Flute
Joe Zawinul - Piano
Sam Jones - Bass
Louis Hayes - Drums

This is currently the oldest broadcast on FM Radio Archive. Very few FM broadcast recordings from 1965 or earlier are available, but TV broadcasts of jazz artists from this period are more plentiful, especially from Europe. Watch for more mid-60's jazz broadcasts on FM Radio Archive.

 Note: Rip on 2 tracks. 

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Cannonball Adderley • Pyramid

 

Review by Scott Yanow
Cannonball Adderley is in generally good form on this 1974 recording. His Quintet at the time featured cornetist Nat Adderley, keyboardist Hal Galper, bassist Walter Booker and drummer Roy McCurdy. Guests on some selections include guitarist Phil Upchurch, keyboardist George Duke and (on "Bess, Oh Where's My Bess") veteran pianist Jimmy Jones. The emphasis is on recent group originals including the three part "Suite Cannon," two Galper compositions and Cannonball's "Pyramid." Nothing too earthshattering occurs but this is an improvement over many of Adderley's Capitol recordings. 
https://www.allmusic.com/album/pyramid-mw0000031982

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Reseña de Scott Yanow
Cannonball Adderley se encuentra en buena forma en esta grabación de 1974. Su quinteto en ese momento estaba formado por el cornista Nat Adderley, el teclista Hal Galper, el bajista Walter Booker y el baterista Roy McCurdy. Entre los invitados que participan en algunas selecciones se encuentran el guitarrista Phil Upchurch, el teclista George Duke y (en «Bess, Oh Where's My Bess») el veterano pianista Jimmy Jones. Se hace hincapié en los temas originales recientes del grupo, entre los que se incluyen la «Suite Cannon» en tres partes, dos composiciones de Galper y «Pyramid» de Cannonball. No ocurre nada demasiado trascendental, pero supone una mejora con respecto a muchas de las grabaciones de Adderley para Capitol. 
https://www.allmusic.com/album/pyramid-mw0000031982

Lionel Hampton • His French New Sound, Vol. 1-2

Review by Ken Dryden

Lionel Hampton joins forces with a number of top French musicians for this 1955 studio session, reissued in Verve's Jazz in Paris series. Three of the four compositions are Hampton's, swinging tunes arranged by Christian Chevalier. The first, "Voice of the North," is primarily for the leader's matchless vibes with the rhythm section, though individual soloists are featured, including fellow Americans Nat Adderley and Benny Bailey on trumpets and David Amram on French horn, as well as clarinetist Maurice Meunier and baritone saxophonist William Boucaya. It's just Hampton and the rhythm section (pianist René Urtreger, bassist Guy Pedersen, and drummer Jean-Baptiste Reilles) for the long workout of "À la French." The one standard of the date, "Crazy Rhythm," suffers from somewhat muddy sound, particularly the overly distant brass. Guitarist Sacha Distel, though admittedly intimidated by Hampton, rises to the leader's level of playing with a fine solo. Overall, this is an enjoyable if not quite essential album by Lionel Hampton.

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Reseña de Ken Dryden

Lionel Hampton se une a varios músicos franceses de primera fila para esta sesión de estudio de 1955, reeditada en la serie Jazz in Paris de Verve. Tres de las cuatro composiciones son de Hampton, melodías swinging arregladas por Christian Chevalier. La primera, "Voice of the North", es principalmente para el inigualable vibráfono del líder con la sección rítmica, aunque se presentan solistas individuales, incluyendo a sus colegas americanos Nat Adderley y Benny Bailey en las trompetas y David Amram en el corno francés, así como el clarinetista Maurice Meunier y el saxofonista barítono William Boucaya. Sólo Hampton y la sección rítmica (pianista René Urtreger, bajista Guy Pedersen y baterista Jean-Baptiste Reilles) para el largo entrenamiento de "À la French". El único estándar de la fecha, "Ritmo Loco", sufre de un sonido algo turbio, particularmente los metales demasiado distantes. El guitarrista Sacha Distel, aunque está intimidado por Hampton, se eleva al nivel del líder con un buen solo. En general, es un álbum agradable, si no esencial, de Lionel Hampton.

VA • New Blue Horns

 

At the time this music was released on Riverside, the six performances of blues by trumpeters had not been issued before. It was reissued on this album as part of the OJC series and since that time some of these selections have appeared as "bonus cuts" along with the other numbers recorded at the same sessions. However this album is worth getting, for it has excellent performances by Clark Terry (who uses pianist Thelonious Monk as one of his sidemen on "Fluegelin' the Blues"), Blue Mitchell, Nat Adderley, Kenny Dorham and two by Chet Baker. ~ Scott Yanow

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Cuando esta música se publicó en Riverside, las seis interpretaciones de blues a cargo de trompetistas no se habían publicado antes. Se reeditó en este álbum como parte de la serie OJC y, desde entonces, algunas de estas selecciones han aparecido como "cortes extra" junto con los demás temas grabados en las mismas sesiones. Sin embargo, vale la pena adquirir este álbum, ya que cuenta con excelentes interpretaciones de Clark Terry (quien cuenta con el pianista Thelonious Monk como uno de sus acompañantes en "Fluegelin' the Blues"), Blue Mitchell, Nat Adderley, Kenny Dorham y dos de Chet Baker. ~ Scott Yanow

The Cannonball Adderley Sextet • In New York

 

Reseña de Richard S. Ginell
Esta excelente actuación en directo desde el Village Vanguard supuso el debut discográfico del sexteto de Adderley, con Cannonball tocando el saxo alto con elocuencia y swing, su hermano Nat liderando la corneta y el versátil Yusef Lateef (que se había unido a la banda solo tres semanas antes) añadiendo un toque especial con el saxo tenor, la flauta y, algo inusual para un instrumentista de viento de jazz, el oboe en la extraña y «Syn-Anthesia», con un aire fúnebre. Además, esta fue la primera aparición discográfica del pianista Joe Zawinul —poco más de tres años después de su llegada a Estados Unidos— en la banda de Cannonball. Este grupo sería el trampolín de Zawinul hacia la fama en el mundo del jazz, y es evidente cómo su dominio compulsivamente funky del bop y el blues se fusionó estrechamente con la sección rítmica de Sam Jones y Louis Hayes. Se incluye una de las primeras grabaciones de una composición de Zawinul, «Scotch and Water», un blues alegre y swing. 
https://www.allmusic.com/album/in-new-york-mw0000649372

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Review by Richard S. Ginell
This excellent live date from the Village Vanguard was the recording debut of the Adderley sextet, with Cannonball waxing eloquently and swingingly on alto, brother Nat charging ahead on cornet, and the versatile Yusef Lateef (who had joined the band only three weeks earlier) adding a bit of an edge on tenor, flute, and unusually for a jazz wind player, oboe on the odd, dirge-like "Syn-Anthesia." Also, this was the first recorded appearance of pianist Joe Zawinul -- a little over three years since his arrival in America -- in Cannonball's band. This group would be Zawinul's springboard to prominence in the jazz world, and readily apparent is how his compulsively funky mastery of bop and the blues had fused tightly with the Sam Jones/Louis Hayes rhythm section. Included is one of the earliest recordings of a Zawinul composition, "Scotch and Water," a happy, swinging blues. 
https://www.allmusic.com/album/in-new-york-mw0000649372


 

Gene Ammons • Gene Ammons and Friends at Montreux

 

Cannonball Adderley • Lugano, 1963

 

Looking for hidden treasures? The Swiss banks vaults conceal some mighty ones, but, alas, they are unavailable for most of us. Whereas hidden treasures in Swiss radio vaults are becoming available. Like this groovy tape found at the Italian speaking Swiss radio in Lugano: Cannonball's sextet from the early sixties (1963). A funky and churchy and soulful tape, too. Dig six very swinging cats cookin' it up and around and about. Let's forget all the jazz jive from way back and concentrate on the music. Live jazz on record is the best substitute for live music.

The tunes: "Trouble In Mind" is a classic from the 20's, the others have become classics by 1995. Three very classy bop themes, like Oscar Pettiford's "Bohemia After Dark", Quincy Jones' "Jessica's Day" or Ernie Wilkins' "Dizzy's Business" (remember Dizzy Gillespie's big band versions of these two from the middle fifties? "Jessica" is taken here at a much faster tempo), all up tempo numbers meant to enliven any proceedings. Two compositions taken at less crazy tempos: a hard bop one, Sam Jones' "Unit 7" and Richard M. Jones' poignant old blues theme "Trouble In Mind" a show case for Yusef Lateef's oboe and the rhythm section. Oboes, by the way, are still (1995) not much heard in jazz circles, yet Lateef demonstrates here beyond doubt (1963) not only they should be warmly welcomed, but that they wail I Rhythm sections like Joe Zawinul on piano (plain old piano, no electronics), Sam Jones on bass and Louis Hayes on drums, are also hard to find, anytime. But there's still more pleasure to be had from this concert: two Nat Adderley down-home tunes, "Work Song" and "Jive Samba" (the bass line in this one shows a trait common to Brazilian and Afro-North-American music - the basic baijo figure which sounds almost exactly like a widely used rhythmic figure in blues and rhythm & blues). Both compositions have become classics too: Nat Adderley is may be not as consistent a composer as Horace Silver but you can bet Mr. Silver would willingly sign those two. Funky, bluesy, churchy, swinging, wailing, driving music...
Julian Adderley and the music in this record somehow embody all those virtues - and a lot more. From today's point of view, you feel like comparing Cannonball to Wynton Marsalis. No, no polemics. You can instantly tell what separates them: as far as I know, Cannonball only preached through his horn. But there are several common features. Cannonball carries in his approach the entire jazz tradition as much as Marsalis does-or pretends to, if you don't 'believe' in Marsalis. It has been said that Cannonball, his great originality notwithstanding, could at times sound like any number of saxophone players from every jazz era. At the same time, he proved he could play any kind of music: advanced music with Miles Davis, John Coltrane and Bill Evans, Latin jazz with the best Latin musicians, bossa nova with the cream of the Brazilians; and Third Stream Music, too. Besides, he came into prominence during the hard bop days from the late 50's and 60's, when jazz was going through yet another revival period, one that is not regarded as such because it generated a lot of powerful music.

Much of it sounded newer than it actually was: marrying simplified bebop and folk and pop black tradition was a strong mixture, almost as strong as the one that, in its day, resulted in what we call jazz. But not quite; it did not turn out able to do what it was aiming for: reconcile the masses - and particularly the black public - with jazz. To this day, jazz is still trying to recover from the loss of its mass audience back in the late forties. The Adderley brothers' success during the sixties is in itself a remarkable achievement and a reminder that you can attain popularity within the jazz ambit (whatever that may mean).

The happenings in this Lugano concert are outstanding: Cannonball's alto sax, itself an invitation to jazz wonderland and Nat Adderley's cornet, with its persistent warmth and ebullience. Yusef Lateef's tenorsax, flute and oboe: he's one of those musicians who have captured the sound of jazz, a considerable achievement - furthermore, no matter how you look at Lateef's work, you have the feeling that he has never been awarded the recognition he deserves. Joe Zawinul's piano of the time sounds like a cross section of many bop and hard bop pianists and, at one and the same time, he's so convincing, solid and always willing that you can't escape the feeling there must be a lot of Zawinuls that never got a chance to develop! Sam Jones' bass swings so hard you could certainly listen to him just keep time and be happy. Last but not least, Louis Hayes' drumming is meant to keep everybody busy at giving the best of themselves. This is a recording you'll enjoy time and again. Both because it's live and so very much alive.

Norberto Gimelfarb, University of Lausanne, University of Geneva
https://cannonball-adderley.com/1345.htm

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¿Busca tesoros ocultos? Las cámaras acorazadas de los bancos suizos esconden algunos poderosos, pero, por desgracia, no están disponibles para la mayoría de nosotros. En cambio, los tesoros ocultos en las bóvedas de las radios suizas sí están disponibles. Como esta cinta de música que se encuentra en la radio suiza de habla italiana de Lugano: El sexteto de Cannonball de principios de los años sesenta (1963). Una cinta funky, eclesiástica y conmovedora. Cava a seis gatos muy swingeros cocinando por ahí y por allá. Olvidemos toda la cháchara jazzística de hace tiempo y concentrémonos en la música. El jazz en vivo en un disco es el mejor sustituto de la música en vivo.

Las melodías: "Trouble In Mind" es un clásico de los años 20, los demás se han convertido en clásicos en 1995. Tres temas de bop con mucha clase, como "Bohemia After Dark" de Oscar Pettiford, "Jessica's Day" de Quincy Jones o "Dizzy's Business" de Ernie Wilkins (¿recuerdan las versiones para big band de Dizzy Gillespie de estos dos temas de mediados de los cincuenta? "Jessica" está tomada aquí a un tempo mucho más rápido), todos ellos números de tempo alto destinados a animar cualquier procedimiento. Dos composiciones tomadas a tempos menos locos: una de hard bop, "Unit 7" de Sam Jones, y el conmovedor tema de blues antiguo de Richard M. Jones "Trouble In Mind", una muestra para el oboe de Yusef Lateef y la sección rítmica. Los oboes, por cierto, todavía (1995) no se escuchan mucho en los círculos del jazz, y sin embargo Lateef demuestra aquí (1963) sin lugar a dudas no sólo que deben ser bien recibidos, sino que ululan I Secciones rítmicas como la de Joe Zawinul al piano (piano antiguo, sin electrónica), Sam Jones al bajo y Louis Hayes a la batería, también son difíciles de encontrar, en cualquier momento. Pero aún hay más placer en este concierto: dos temas de Nat Adderley con sabor a hogar, "Work Song" y "Jive Samba" (la línea de bajo en esta muestra un rasgo común a la música brasileña y afro-norteamericana: la figura básica del baijo que suena casi exactamente como una figura rítmica muy utilizada en el blues y el rhythm & blues). Ambas composiciones se han convertido también en clásicos: Puede que Nat Adderley no sea un compositor tan consistente como Horace Silver, pero puede apostar que el Sr. Silver firmaría de buena gana estas dos. Música funky, bluesy, eclesiástica, swinging, wailing, driving...
Julian Adderley y la música de este disco encarnan de algún modo todas esas virtudes, y muchas más. Desde el punto de vista actual, uno se siente como si comparara a Cannonball con Wynton Marsalis. No, no hay polémica. Se puede decir al instante lo que les separa: que yo sepa, Cannonball sólo predicaba a través de su trompa. Pero hay varios rasgos comunes. Cannonball lleva en su planteamiento toda la tradición del jazz tanto como Marsalis -o lo pretende, si no se "cree" en Marsalis-. Se ha dicho que Cannonball, a pesar de su gran originalidad, podía sonar a veces como cualquier saxofonista de cualquier época del jazz. Al mismo tiempo, demostró que podía tocar cualquier tipo de música: música avanzada con Miles Davis, John Coltrane y Bill Evans, jazz latino con los mejores músicos latinos, bossa nova con la flor y nata de los brasileños; y también música de la tercera corriente. Además, se dio a conocer en la época del hard bop de finales de los 50 y los 60, cuando el jazz atravesaba otro periodo de renacimiento, que no se considera como tal porque generó mucha música potente.

Gran parte de ella sonaba más nueva de lo que en realidad era: casar la tradición simplificada del bebop con el folk y el pop negro era una mezcla fuerte, casi tan fuerte como la que, en su día, dio lugar a lo que llamamos jazz. Pero no del todo; no resultó capaz de hacer lo que pretendía: reconciliar a las masas -y en particular al público negro- con el jazz. A día de hoy, el jazz sigue intentando recuperarse de la pérdida de su público masivo a finales de los años cuarenta. El éxito de los hermanos Adderley durante los años sesenta es en sí mismo un logro notable y un recordatorio de que se puede alcanzar la popularidad dentro del ámbito del jazz (sea lo que sea que eso signifique).

Las actuaciones en este concierto de Lugano son excepcionales: El saxo alto de Cannonball, en sí mismo una invitación al país de las maravillas del jazz, y la corneta de Nat Adderley, con su persistente calidez y ebullición. El tenorsax, la flauta y el oboe de Yusef Lateef: es uno de esos músicos que han capturado el sonido del jazz, un logro considerable; además, se mire como se mire el trabajo de Lateef, se tiene la sensación de que nunca se le ha otorgado el reconocimiento que merece. El piano de Joe Zawinul suena como una sección transversal de muchos pianistas de bop y hard bop y, al mismo tiempo, es tan convincente, sólido y siempre dispuesto que no puedes evitar la sensación de que debe haber muchos Zawinuls que nunca tuvieron la oportunidad de desarrollarse. El bajo de Sam Jones se balancea con tanta fuerza que, sin duda, podrías escucharlo sólo para seguir el ritmo y ser feliz. Por último, pero no por ello menos importante, la batería de Louis Hayes está pensada para mantener a todo el mundo ocupado en dar lo mejor de sí mismo. Esta es una grabación que disfrutarás una y otra vez. Tanto porque es en directo como porque está muy vivo.

Norberto Gimelfarb, Universidad de Lausana, Universidad de Ginebra
https://cannonball-adderley.com/1345.htm

King Curtis • Soul Meeting

    Biography

Curtis 'King Curtis' Ousley was already a well-respected Jazz tenor saxophonist in 1952 when he moved to New York, to concentrate on doing session work for the growing Pop and R&B markets. Over the next decade, saxophone became the pre-eminent lead instrument within Rhythm & Blues/Rock n' Roll, and King Curtis became its leading exponent, spicing up massive numbers of hits with ear catching solos, sealing his reputation as one of the leading instrumentalists of that era. Perhaps he'll be most remembered as blowing that solo on The Coasters 1958 smash “Yakety Yak.”

King Curtis was originally part of the late 40's honking Texas tenor sax brigade, counting Arnett Cobb, Earl Bostic, and Illinois Jacquet as influences. He played in bands of Lionel Hampton and Horace Silver. Upon moving to New York from Fort Worth TX (his 1934 birthplace), he was already well grounded in Jazz, R&B, and Pop. Curtis could play any style on a moment's notice. Curtis had also pursued a highly successful solo career, primarily in contemporary R&B. But he also stretched out with the best Jazzmen: about half of his Prestige output circa 1960-62 he's surrounded by top line players like Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, and Willie Rodriguez. On his classic “Soul Meeting,” the personnel includes: King Curtis (tenor saxophone); Nat Adderly (cornet); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bass); Oliver Jackson, Belton Evans (drums)

Recording with Capitol, Epic, and Atlantic, he garnered instrumental hits like 1962's “Soul Twist,” and 1967's “Memphis Soul Stew,” . That same year he did a successful cover of “Ode To Billie Joe.”

He made a big impression in the late 60's, hooking up with artists like Eric Clapton who performed on King's “Teasin'” album in 1970. The saxophonist had meanwhile put together a superb studio group: The Kingpins, with Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott and Bernard Purdie, all of whom contributed to several of Aretha Franklin's finest records. King Curtis topped the R&B charts in 1971, handling the sax on Aretha Franklin's version of “Bridge Over Troubled Waters,” and played on several tracks on John Lennon's 'Imagine' album that same year.

When King Curtis departed this world in 1971 -the victim of a brutal stabbing outside his apartment- he wasn't yet 40, but was at the apex of his career. In 2000, King Curtis was inducted into the Rock&Roll Hall of Fame.

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    Biografía

Curtis 'King Curtis' Ousley ya era un respetado saxofonista tenor de Jazz en 1952 cuando se mudó a Nueva York, para concentrarse en hacer trabajo de sesión para los crecientes mercados de Pop y R&B. Durante la siguiente década, el saxofón se convirtió en el principal instrumento del Rhythm & Blues/Rock n' Roll, y King Curtis se convirtió en su principal exponente, condimentando un gran número de éxitos con solos que atrapan las orejas, sellando su reputación como uno de los principales instrumentistas de esa época. Tal vez sea más recordado por soplar ese solo en Los Posavasos de 1958 y aplastar "Yakety Yak".

King Curtis fue originalmente parte de la brigada de saxos tenor de Texas a finales de los 40, contando a Arnett Cobb, Earl Bostic e Illinois Jacquet como influencias. Tocó en bandas de Lionel Hampton y Horace Silver. Al mudarse a Nueva York desde Fort Worth TX (su lugar de nacimiento en 1934), ya estaba bien arraigado en el Jazz, el R&B y el Pop. Curtis podía tocar cualquier estilo en un momento. Curtis también había desarrollado una exitosa carrera en solitario, principalmente en el R&B contemporáneo. Pero también se extendió con los mejores Jazzmen: alrededor de la mitad de su producción de Prestige alrededor de 1960-62 está rodeado de jugadores de primera línea como Jack McDuff, Billy Butler, Billy Gale, Ray Lucas, y Willie Rodríguez. En su clásico "Soul Meeting", el personal incluye: King Curtis (saxo tenor); Nat Adderly (corneta); Wynton Kelly (piano); Paul Chambers, Sam Jones (bajo); Oliver Jackson, Belton Evans (batería)

Grabando con Capitol, Epic y Atlantic, obtuvo éxitos instrumentales como "Soul Twist" de 1962 y "Memphis Soul Stew" de 1967. Ese mismo año hizo una exitosa portada de "Oda a Billie Joe".

Causó una gran impresión a finales de los 60's, uniéndose a artistas como Eric Clapton, quien actuó en el álbum "Teasin'" de King en 1970. Mientras tanto, el saxofonista había formado un magnífico grupo de estudio: The Kingpins, con Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott y Bernard Purdie, todos los cuales contribuyeron a varios de los mejores discos de Aretha Franklin. King Curtis encabezó las listas de éxitos de R&B en 1971, manejando el saxo en la versión de "Bridge Over Troubled Waters" de Aretha Franklin, y tocó en varios temas del álbum'Imagine' de John Lennon ese mismo año.

Cuando el rey Curtis partió de este mundo en 1971 -víctima de una brutal puñalada fuera de su apartamento- aún no tenía 40 años, pero estaba en la cúspide de su carrera. En el año 2000, King Curtis fue admitido en el Rock&Roll Hall of Fame.